I film giudiziari-processuali: Il cinema in tribunale

Luciano Mariani
info@cinemafocus.eu
© 2026 by Luciano Mariani, licensed under CC BY-NC-SA 4.0

versione pdf

1. Introduzione: un genere a sè?

Esiste un ricchissimo filone di film la cui trama prevede delle scene o sequenze più o meno estese che si svolgono in un'aula di tribunale: li abbiamo chiamati "film giudiziari-processuali", ma le opere a cui si può riferire questo termine vengono identificate in inglese con una varietà di etichette, tra cui legal drama, courtroom drama, legal film, law film, trial film ... I modi diversi con cui si possono indicare questo tipo di film suggerisce che è difficile tracciare un loro identikit, ossia un insieme di aspetti che possano giustificare la loro appartenenza ad un genere cinematografico dai contorni ben definiti (com'è il caso, ad esempio, dei film western, musicali, thriller, di fantascienza, e così via). Una delle ragioni per cui esiste questa difficoltà di categorizzazione è il fatto che le sequenze che si svolgono in un'aula di tribunale compaiono in un'infinità di film, a loro volta appartenenti a tutti i generi cinematografici, dalla commedia al melodramma, dal poliziesco al film di guerra, proprio perchè moltissime storie raccontate al cinema prevedono in qualche misura un risvolto processuale: i personaggi di tali storie possono infatti essere coinvolti in fatti che hanno qualche rilevanza civile o penale, che giustifica il ricorso alla "giustizia" per far procedere la storia o per portarla ad una conclusione. Potremmo indicare però i confini entro i quali tutti questi film possono essere considerati, su un ideale continuum che vede, ad un estremo, quei film ambientati completamente o per la maggior parte della loro durata in un tribunale, e all'altro estremo quei film in cui l'aula di un tribunale gioca un ruolo molto marginale o addirittura del tutto secondario. In questi ultimi, il processo può svolgersi, ad esempio, verso la fine del film, come passo quasi "obbligato" per concludere una storia che si è svolta fino a quel momento in altri ambienti o contesti. Per delimitare la nostra indagine considereremo dunque come film "giudiziari-processuali" quel genere (o sotto-genere) di film in cui le sequenze in tribunale sono al centro della trama, non solo perchè (1) occupano un tempo considerevole della loro durata complessiva e/o perchè (2) nell'aula di tribunale si svolgono azioni che costituiscono sviluppi cruciali della loro trama.

2. L'azione drammatica all'interno e all'esterno dell'aula di un tribunale

Anche con queste delimitazioni, comunque, non esistono molti film che si svolgono esclusivamente all'interno di un tribunale. Un esempio famoso è La parola ai giurati, in cui l'intera storia si svolge nella stanza in cui i dodici giurati sono confinati per dover decidere se l'accusato è colpevole o innocente, con le conseguenti ricostruzioni dei fatti e la loro valutazione finale. Questo film è dunque un raro esempio di unità di tempo, di luogo e di azione, come se fosse un unico piano-sequenza in cui durata della storia e durata del film coincidono esattamente: lo spettatore entra nella stanza insieme ai giurati e ne esce quando questi ultimi ne escono perchè sono giunti al verdetto finale.

La parola ai giurati/Twelve angry men (Sidney Lumet, USA 1957)

Più spesso, nei film processuali-giudiziari l'azione, pur svolgendosi, come abbiamo descritto, in un tribunale, alterna queste sequenze ad altre che si svolgono al di fuori, ma che comportano sviluppi narrativi di immediata rilevanza per ciò che accade nell'aula. Un esempio altrettanto famoso è Anatomia di un omicidio, dove un avvocato di provincia (James Stewart) accetta di difendere un tenente dell'esercito (Ben Gazzara), accusato di aver ucciso l'uomo che gli aveva violentato la moglie (Lee Remick). Tra un'udienza e l'altra, l'avvocato incontra sia il tenente che la moglie, ed accumula una serie di informazioni ambigue che puntualmente si riflettono poi nell'udienza successiva (e che lasceranno gli spettatori incerti sulla verità dei fatti ricostruita in tribunale). In questo caso, come in molti altri, le sequenze fuori dall'aula sono determinanti per conoscere sia gli antefatti che la personalità dei personaggi coinvolti, ma ancora più rilevanti sono le udienze in cui fatti e personaggi sono messi alla prova per districare quello che è di fatto un intreccio inestricabile di verità e di menzogna.

Anatomia di un omicidio/Anatomy of a murder (Otto Preminger, USA 1959)

Diverso, ma per certi versi simile, è il caso di quei film che si svolgono, nel presente della narrazione, nell'aula di un tribunale, ma che ricorrono ai flashback, ossia ai racconti degli accusati e dei testimoni, per ricostruire i fatti passati oggetto del processo. In questi casi, i flashback possono occupare anche lunghe sequenze, ma, ancora una volta, i fatti che via via emergono trovano la loro interpretazione, decisiva per lo sviluppo della trama e per la conclusione del film, pur sempre nell'aula giudiziaria, dove l'azione drammatica del confronto tra accusa e difesa si appoggia a quanto viene raccontato nei flashback. Un esempio è un curioso film di ambientazione western, I dannati e gli eroi, in cui un sergente (Woody Strode), appartenente ad un reggimento composto soltanto da soldati di colore, è accusato di violenza carnale e di omicidio. I fatti accaduti sono ricostruiti tutti tramite il ricorso ai flashback (che raccontano la storia vera e propria secondo i canoni del genere "western", di cui il regista John Ford è stato uno dei massimi esponenti), mentre il dibattito in aula sull'interpretazione da dare a quei fatti costituisce la "cornice" entro cui si sviluppa la tensione drammatica, gestita secondo i canoni del "film giudiziario".

I dannati e gli eroi/Sergeant Rutledge (John Ford, USA 1960)

Il film è interessante anche perchè dimostra, da un lato, come i film giudiziari-processuali possono svolgersi in ambientazioni e secondo narrazioni tipiche di altri generi cinematografici, e dall'altro lato, come questioni complesse (in questo caso, i pregiudizi razziali) possono costituire parte integrante dei temi e dei significati veicolati da un film attribuibile al genere che stiamo esaminando. Vedremo in effetti più avanti come i film giudiziari non si limitano a mettere in scena vicende processuali, che pure costituiscono il loro "cuore narrativo", ma entrano nel vivo di tematiche sottostanti, che amplificano e arricchiscono la portata delle idee e dei significati che i film stessi intendono trasmettere.

Le tematiche serie e impegnative che sono di norma trattate nei film giudiziari-processuali possono comunque essere combinate con toni più leggeri, come è provato dall'esistenza di film di questo tipo che attraversano il genere, apparentemente molto diverso, della commedia. Famosissima è rimasta la coppia Spencer Tracy-Katharine Hepburn, che in La costola di Adamo, impersona marito e moglie, entrambi magistrati, ma impegnati l'uno contro l'altro rispettivamente nell'accusa e nella difesa di una donna (Judy Holliday), accusata di aver ucciso il marito fedifrago. Il film inegra brillantemente commedia e film giudiziario, nell'affastellarsi di scene domestiche e scene in tribunale, in cui la Hepburn dimostra tutta la sua "grinta" nel propugnare la sua causa femminista. Battaglia dei sessi, dunque, declinata però con i toni accesi ma anche decisamente impegnati della difesa delle donne in un mondo maschilista, come propugnato nell'infiammata arringa finale della Hepburn/difensore (si veda il video qui sotto a destra), cui il marito/avvocato dell'accusa riesce a mala pena a tener testa.

La costola di Adamo/Adam's rib (george Cukor, USA 1949)

E perfino la fantascienza è comparsa come genere cinematografico "ospitante" un film giudiziario- processuale: in Dredd - La legge sono io, in una New York distopica del 2139, i giudici cercano di far rispettare la legge a bordo di motocilcette blindate, e il più duro del gruppo è nientemeno che Sylvester Stallone, quasi una macchina da guerra sempre pronta ad intervenire (anche senza porsi problemi di diritto ...), in un film, tratto da una "graphic novel", che vede naturalmente l'attore americano trionfare in una storia che è più che altro un adrelanico film d'azione.

Dredd - La legge sono io/Judge Dredd (Danny Cannon, USA 1995)

3. La "geografia" del film giudiziario

In questa citazione vengono indicate come caratteristiche primarie di un film che possa definirsi come "giudiziario-processuale" la "geografia della legge", ossia, come abbiamo osservato nei paragrafi precedenti, la localizzazione della storia: non soltanto un luogo fisico (l'aula di un tribunale), ma anche il linguaggio legale con cui si comunica, i personaggi essenziali (come giudici, avvocati, giurie ...), insieme alle immagini e ai simboli che li contraddistinguono e che sono entrati nell'immaginario collettivo come risultato dell'esposizione ad un gran numero di film di questo tipo. Ad esempio, molti film giudiziari mostrano, all'inizio o ad un certo punto della narrazione, gli edifici che ospitano il tribunale: si tratta in genere di strutture imponenti, che nella loro maestosità incarnano la potenza dell'autorità della legge e impressionano per l'immagine che offrono del sistema giuridico come presidio ufficiale della giustizia. Sono edifici che generano in chi li guarda un timore reverenziale, perchè sappiamo che al loro interno non si svolgono solo cerimoniali dettati da precisi regolamenti che la società si è data, ma anche vicende umane spesso drammatiche, che coinvolgono persone sottoposte ad un giudizio collettivo sulla base dell'opposizione tra "giusto" e "ingiusto", o più ampiamente tra "buono" e "cattivo", tra "bene" e "male - con il corollario altrettanto cruciale dei destini che attendono queste persone in base al giudizio di condanna o di assoluzione. Spesso questi "palazzi di giustizia" sono adornati da bandiere, statue, dipinti (ad esempio, la classica raffigurazione della bilancia) che sottolineano ancora lo statuto straordinario di questi luoghi deputati all'amministrazione della giustizia.

Royal Courts of Justice, London                                                                                               U.S. Supreme Court, Washington D.C.

Quando entriamo nell'aula di un tribunale, nuove immagini e nuovi simboli continuano a farci percepire questi luoghi con lo stesso timore reverenziale. La rigidità delle procedure, le formule di rito, e la stessa disposizione fisica degli arredi rimandano ad un immaginario che abbiamo tutti introiettato, così come la posizione dei personaggi all'interno di questa scenografia. All'inizio di Testimone d'accusa la processione di giudici che apre il processo è particolamente suggestiva in quanto rimanda alla tradizione storica delle udienze alla "Corte della Corona" britannica, con i simboli rituali di una cerimonia dal sapore quasi religioso.

Testimone d'accusa/Witness for the prosecution (Billy Wilder, USA 1957)

Anche la dislocazione delle varie figure convolte nel processo è solitamente ben determinata, e, nonostante variazioni a seconda dei luoghi e nel corso del tempo, immediatamente e facilmente riconoscibile: ad esempio, il giudice è solitamente in una posizione sopraelevata rispetto a tutti gli altri "attori", mentre la giuria occupa una posizione laterale, a sottolineare, da un lato, l'autorità della legge, e dall'altro, la posizione "neutrale" di chi è chiamato ad emettere un giudizio di colpevolezza o di innocenza "in nome del popolo". (L'immagine seguente si riferisce al sistema britannico; il sistema americano prevede alcuni ruoli e relativi termini differenti: si veda il box qui sotto.)

I due video qui sotto (in inglese) illustrano brevemente il funzionamento del processo nei sistemi britannico e statunitense.

4. Il perenne e indiscutibile fascino dei film giudiziari

4.1. Un genere amato dal pubblico

"I processi sono già di per sé simili a film, e i film sono già di per sé simili a processi."

"Trials are already movie-like to begin with and movies are already trial-like to begin with."

Carol J. Clover (Nota 2)

I film giudiziari-processuali sono sempre esistiti nella storia del cinema, a riprova che gli elementi che li caratterizzano posseggono un fascino incontestabile. Se il cinema offre sempre ai suoi spettatori una "finestra", uno "specchio", un "telescopio" e/o un "microscopio" attraverso cui affacciarsi su un mondo e sui personaggi che lo popolano, in tal modo fornendo l'opportunità di guardare, in un contesto di totale sicurezza e "impunità", ciò che potrebbe anche considerarsi "molto privato", i film giudiziari assolvono a questa funzione in modo ancor più pregnante: assistiamo infatti ad eventi che ad un certo punto assumono una rilevanza penale, ed i personaggi si caricano di identità e di motivazioni del tutto particolari. Come nei film polizieschi, thriller, "gialli", entrano in gioco aspetti che stimolano il nostro coinvolgimento al massimo grado e ci impongono di trovare una risposta a domande cruciali, come Cosa è realmente successo? Chi è responsabile di questi eventi? Perchè i personaggi si sono comportati in quel certo modo? Meritano una punizione?, sollecitando nel contempo il nostro innato desiderio di scoprire la "verità", di definire un personaggio colpevole o innocente, di assicurarci che "giustizia sia fatta" - tutti aspetti che ci coinvolgono sia dal punto di vista cognitivo che affettivo. Non c'è da stupirsi, dunque, se le dinamiche nell'aula di un tribunale, e le conclusioni a cui arrivano, costituiscono una potente leva drammatica al servizio di una funzione fondamentale del cinema, quella di coinvolgere gli spettatori e di immergerli totalmente nella storia narrata.

Ma i film giudiziari hanno una marcia in più: invitano non solo gli spettatori a "guardare", per vedere anche quello che a volte rimane nascosto o addirittura non dovrebbe essere visto (assolvendo così a quella funzione di spettatore-voyeur su cui registi come Hitchcock hanno puntato per manipolare le emozioni del pubblico): questi film aggiungono agli stimoli visivi altrettanto potenti stimoli uditivi, in una misura che in  altri generi cinematografici non ha la stessa importanza. In un'aula di tribunale, infatti, conta ciò che si vede, ma anche, e forse ancora di più, ciò che si sente: questo ambiente, infatti, è il regno della parola profferita ad alta voce da avvocati, giudici, testimoni, che proprio attraverso la parola hanno il compito di raccontare, descrivere, valutare fatti e circostanze, nonchè di delineare i profili identitari delle persone coinvolte (l'accusato, ma anche i testimoni a carico o a difesa). L'aula è il luogo istituzionalmente designato per il dibattito, il confronto, la dialettica anche aspra e drammaticamente coinvolgente, che raggiunge il suo apice al momento delle arringhe finali dell'accusa e della difesa, quando tutte le parole contano e la capacità di usarle in modo convincente diventa il punto focale delle decisioni che prenderà la giuria. Indimenticabile, ad esempio, la scena conclusiva in tribunale del film Frenesia del delitto, in cui due ragazzi di buona famiglia sono accusati dell'omicidio di un ragazzino, compiuto in modo gratuito per il solo gusto di compiere un delitto perfetto: in una memorabile arringa finale, il difensore (Orson Welles, premiato al Festival di Cannes insieme ai due giovani attori) riesce ad evitare loro la pena capitale. Si tratta di un film esemplare rispetto alla discussione sul "genere giudiziario" di cui all'Introuzione qui sopra: le sequenze in tribunale si svolgono soltanto nell'ultima parte del film, ma la loro potenza drammatica (e la magnifica interpretazione di Orson Welles) soddisfano pienamente i criteri che ci siamo posti per definire e delimitare la categoria di questi film.

Frenesia del delitto/Compulsion (Richard Fleischer, USA 1959) - Film completo; l'arringa finale inizia al minuto 1:29:02

Difficile non essere coinvolti in questa possente esibizione del potere della parola; ma d'altronde i film giudiziari, come si è detto, coinvolgono gli spettatori in modo sottile e allo stesso tempo potente nelle storie che raccontano e nei personaggi che mettono in scena, al punto tale da porli nella condizione di identificarsi di fatto con la giuria - una posizione "comoda" perchè permette di ricostruire, insieme ai giurati, ciò che è (o può essere) successo e di farsi un'idea dell'innocenza o colpevolezza dell'accusato, senza, al contempo, essere obbligati ad assumere la responsabilità che, nei film come nella realtà, è imposta alla giuria:

Nessuno sfuggirà/None shall escape (André de Toth, Usa 1944) - Film completo in inglese

Un esempio illuminante di questa tensione (che, ripetiamolo, non è solo teorica ma si carica di valore drammatico) ci è offerto da Il buio oltre la siepe, in cui un avvocato progressista, Atticus Finch (Gregory Peck, premiato con un Oscar come Migliore Attore) si trova a dover difendere un uomo di colore, Tom Robinson (Brock Peters) dall'infamante accusa, da parte di un agricoltore bianco alcolizzato, Bob Ewell (James Anderson), di avergli violentato la figlia - anche se Tom si dichiara innocente. Atticus riesce ad evitare il linciaggio dell'imputato da parte di un gruppo di cittadini razzisti e, durante il processo, riesce a dimostrare l'infondatezza dell'accusa (si veda la sua arringa nei video qui sotto). Tuttavia la giuria emette ugualmente un verdetto di colpevolezza. Tom, piuttosto che attendere il ricorso in appello, tenta di evadere durante il trasferimento in prigione e viene ucciso da un secondino. Bob, il vero responsabile delle violenze alla figlia, conscio di essere stato smascherato da Finch, giura di vendicarsi, e assale i figli di Atticus mentre tornano a casa attraverso il bosco; interviene però uno sconosciuto, che li difende uccidendo l'assalitore. L'uomo misterioso si rivela essere Boo, un uomo considerato un "matto" dai suoi vicini, affezionatosi ai bambini pur senza averli mai conosciuti direttamente. Lo sceriffo, dato che Boo non riuscirebbe a sopportare le cause derivanti dal suo gesto, decide di dichiarare la morte di Bob come un incidente, ossia il risultato della caduta accidentale sul proprio coltello.

Il buio oltre la siepe/To kill a mockingbird (Robert Mulligan, USA 1963)

Il film tocca una serie di questioni molto rilevanti per il rapporto tra legge e giustizia. Innanzitutto, l'arringa di Atticus punta sull'irrilevanza o addirittura la mancanza di prove a carico di Tom - il che non evita che Tom sia comunque condannato, sollevando il problema di come l'accertamento della verità attraverso il supporto (o la negazione) di fatti concreti non possa darsi per scontato, ma sia soggetto alle interpretazioni di chi (la giuria) dovrebbe utilizzarli per applicare le norme della legge. E' evidente che queste interpretazioni sono inficiate dalle tendenze razziste che animano questa società, che di fatto non esita ad accantonare la legge per farsi giustizia da sè (il tentato linciaggio di Tom, la sua uccisione da parte di un secondino, cioè di un altro rappresentante della "legge"). La violenza, cioè la negazione di un criterio di vivere civile e democratico, è di fatto ciò che regge un sistema avvelenato dal razzismo. Ma anche la decisione dello sceriffo (si noti, una figura laterale rispetto al sistema giudiziario in senso stretto) "piega" la legge ai suoi pur ragionevoli e apprezzabili fini, convertendo un omicidio in un semplice incidente (il che apre la questione se la legge possa essere "giusta" o "sbagliata", e se se sia giusto ed accettabile infrangerla quando non sembra capace di prevenire e combattere l''ingiustizia). Nel complesso, dunque, la legge non riesce ad assicurare la giustizia, la verità è difficile da dimostrare e, soprattutto, da far accettare di fronte al pregiudizio, e si avverte il senso che, quando i valori etici vengono messi in discussione, rimane ancora l'umanità e la sua concretezza ad arginare, almeno in parte, l'ingiustizia. Come avevamo già notato, nei film processuali la tensione tra giustizia e ingiustizia si nutre anche di altri elementi morali, come in questo caso il razzismo - a riprova che, come vedremo in seguito, questo tipo di film è spesso permeato da questioni etiche e da ideologie di ampio respiro.

6. Il predominio dell'immaginario americano

"If ideology is the myth people live by, then the images of trial films constitute a rich and globally powerful source of ideology about the nature of criminal justice processes." (Nota 8)

La rappresentazione cinematografica del processo, e, più in generale, del sistema legale, è sempre stata dominata dagli esempi forniti nei film statunitensi, che, grazie a quella che è stata per lungo tempo la più fiorente e produttiva industria culturale al mondo, ha esportato il proprio modello ovunque, favorendo immagini simili anche in paesi con sistemi legali diversi da quello americano. I pubblici di tutto il mondo si sono così creati delle aspettative rispetto al funzionamento della giustizia basate sui modelli forniti in continuazione dai film hollywoodiani del genere giudiziario-processuale, a prescindere dai propri sistemi legali nazionali e dalla propria cultura. Le rappresentazioni fornite da questa filmografia sono così diventate popolari e accettate come se il sistema legale statunitense fosse l'unico possibile, o per lo meno lo standard con cui interpretare e valutare temi, ambienti e personaggi di questo genere cinematografico. Questa cultura popolare, che è la somma delle convinzioni e atteggiamenti che un pubblico ha sviluppato nei confronti della legge e della giustizia sulla base delle rappresentazioni fornite dai mezzi di comunicazione di massa come il cinema, svolge un ruolo decisivo sui modi in cui gli spettatori si pongono di fronte alle problematiche suscitate dai film, arricchendo i film stessi di valenze che banno ben al di là del successo di un singolo film:

Tutto questo ha importanti ripercussioni sui modi in cui questi film stimolano l'interesse e il coinvolgimento del pubblico. A differenza di sistemi legali in cui il pubblico ministero è deputato a raccogliere tutte le testimonianze rilevanti per il processo, incluse quelle eventualmente a favore dell'imputato, nel sistema americano accusa e difesa si propongono di presentare, ognuna per proprio conto, la propria versione dei fatti ed il modo in cui secondo loro questi debbano essere interpetrati e valutati. Ciò implica un confronto molto serrato in aula, in cui il dibattimento si trasforma facilmente in aperto conflitto, ben al di là degli eventi discussi, tra due protagonisti che diventano presto veri e propri antagonisti, acuendo il contrasto tra le opposte visioni di "bene" e "male", di "vero" e falso". L'atmosfera che si respira in queste aule di tribunale si carica dunque immediatamente di intensità drammatica, e mette in scena un campo di battaglia molto favorevole alla partecipazione emotiva del pubblico.

Ad esempio, Philadelphia racconta del processo intentato da un giovane a brillante avvocato gay, Andrew, (Tom Hanks, premiato con l'Oscar come Miglior Attore) contro il prestigioso studio legale per cui lavora, che lo ha licenziato formalmente per inadempienza professionale, ma in realtà per il suo orientamento sessuale, aggravato dal fatto che è ammalato di AIDS. Un suo collega di colore, Joe (Denzel Washington), dopo molte iniziali perplessità, decide di assumere la difesa dei diritti di Andrew così apertamente violati. Dopo una visione dall'alto del tribunale, dominato da un'imponente statua (in ossequio ai modi "classici" di introdurre l'ambiente legale che abbiamo già considerato nella Sezione 3), nell'arringa di apertura del processo, Joe esplicita in modo netto la "filosofia" del sistema legale americano: rivolgendosi alla giuria, afferma con enfasi: "Dimenticate tutto quello che avete visto alla televisione e al cinema. Non ci saranno sorprese dell'ultimo minuto come confessioni lacrimose. Vi sarà presentato un semplice fatto - Andrew Beckett è stato licenziato. Ascolterete due spiegazioni per il suo licenziamento, la nostra e la loro. E' compito vostro passare al vaglio strato dopo strato di verità finchè determinerete per vostro conto quale versione suona più vera." La verità processuale viene subito concepita come un conflitto tra due verità opposte - e l'invito alla giuria (e al pubblico) è di confrontare con accuratezza le due versioni. In tal modo si stimola la tensione drammatica che accompagnerà tutto il dibattimento. Il film, tuttavia, come in altri casi già citati e in altri che vedremo, è anche, e forse soprattutto, un'appassionata, "politicamente corretta" battaglia contro i pregiudizi, da quello sull'orientamento sessuale e sull'AIDS a quello della descriminazione razziale e, più in generale, delle differenze culturali, con i quali la giuria (e il pubblico) sono chiamati a confrontarsi.

Philadelphia (Jonathan Demme, USA 1993)

Un'altra importante differenza tra i sistemi legali americano ed europeo ha un impatto diretto sul modo in cui viene costruita la tensione drammatica durante un processo. Il sistema americano si basa soprattutto sulla considerazione di "casi" passati, che vengono identificati ed utilizzati come criteri di rifermento rispetto allo specifico caso in questione, mentre in altri sistemi, ad esempio in Europa, è predominante la presenza di codici scritti. Il sistema americano offre quindi, rispetto ad altri sistemi, la possibilità di fare riferimenti concreti a casi passati, per trovare analogie e differenze, il che implica una maggiore concretezza e riferimenti continui alle sentenze precedenti ed alle storie ad esse connesse. Di qui anche la possibilità di "sorprese" dell'ultimo minuto (quelle che l'avvocato Joe di Philadelphia deprecava), difficili se non impossibili in altri sistemi, più codificati in codici scritti e in cui i conflitti, oltre che sulle prove e le testimonianze, vertono sulle interpretazioni da dare a quei codici. Senza dimenticare, come abbiamo già detto, che al processo accusa e difesa arrivano con prove e testimonianze raccolte in precedenza e man mano "svelate" durante il dibattimento. La raccolta di prove e testimonianze è spesso delegata ad investigatori privati che collaborano rispettivamente con l'una e l'altra parte, e la figura del "detective" è così entrata a far parte dei personaggi-chiave di queto genere di film.

Dobbiamo anche ricordare che i procuratori distrettuali nel sistema americano sono cariche elettive, e che quindi l'interferenza della politica gioca spesso un ruolo importante - i conflitti tra procuratori ed avvocati difensori assumono così un'ulteriore valenza, che mette in gioco non solo le capacità dei singoli individui ma anche, in molti casi, l'appartenenza a posizioni politiche diverse e le ripercussioni sui rapporti tra accusa e difesa.

Un ultimo elemento che contribuisce a tenere alta la drammaticità dei processi è il fatto che in molti stati americani è in vigore la pena di morte, che, anche se solo evocata, alza enormemente la potenzialità drammatica del dibattito in aula. Il pubblico sa che è in gioco una vita, e gli eventuali dubbi sul'innocenza o la colpevolezza dell'imputato, o addirittura il sospetto che si possa commettere un errore giudiziario che può portare ad un'ingiusta condanna, costituiscono altrettanti punti di forza di questa drammaturgia processuale. Ne è un esempio Un posto al sole, in cui George (Montgomery Clift), giovane ambizioso che corteggia un'ereditiera (Elizabeth Taylor), progetta di uccidere una giovane operaia (Shelley Winters) rimasta incinta di lui, durante una gita in barca. Gli manca però il coraggio, anche se la donna muore per un incidente. George verrà comunque accusato e condannato a morte, e alla fine accetterà la condanna. In casi come questo, il film sembra oscillare tra un'umana comprensione dei colpevoli e la loro altrettanto doverosa condanna, rimandando questa tensione drammatica al pubblico, che rimane così coinvolto tanto dal caso umano che dalla necessità di assicurare che giustizia sia fatta, ma con un'ambiguità di fondo che permane fino alla fine.

Un posto al sole/A place in the sun (George Stevens, USA 1951)

Un caso ancora più esplicito nell'affrontare la questione della pena di morte è raccontato in Non voglio morire, in cui una giovane donna (Susan Hayward) viene accusata e condannata a morte per un crimine che non ha commesso. Anche in questo caso il pubblico è chiamato a prendere posizione (e di fatto a parteggiare) nei confronti della donna, che è chiaramente vittima dei pregiudizi dell'opinone pubblica e della faziosità della stampa a lei apertamente ostile (anche se un giornalista (Simon Oakland), dapprima schierato contro di lei, tentò poi di salvarla in extremis). Ancora una volta il genere processuale-giudiziario è messo al servizio di una riflessione più ampia sulla giustizia, sulle sue ambiguità e sul ruolo della società nel determinare e condizionare l'equa applicazione della legge.

Non voglio morire/I want to live! (Robert Wise, USA 1958)

"Legal dramas follow particular conventions that are more or less specific to American culture; they are prone to the perpetuation of stereotypes, whether the centre of interest be the miraculous comeback of a burnt-out lawyer, the abuse of the legal system to secure the acquittal of a guilty client, a prosecutor’s fight for justice, or the unexpected, emotional confession of a conscience-stricken person on the witness stand. The dialectical approach to judicial questions and the theatricality inherent in the gradual resolution of the conflict can be regarded as minimum requirements for the classification of legal narratives, besides the locale of the courtroom." (Nota 10)

7. Narrazioni inaccurate

I film giudiziari-processuali si basano spesso, come abbiamo appena visto, su convenzioni codificate e su rappresentazioni dei sistemi legali che hanno più a che fare con ciò che può attirare e gratificare il pubblico che non con una visione realistica di come quesi sistemi effettivamente funzionano nella realtà. La "cultura popolare", infatti, ha introiettato rappresentazioni abbastanza stereotipate che in molti casi obbediscono più alle aspettative del pubblico e alla creazione di storie interessanti e coinvolgenti piuttosto che all'accuratezza e alla precisione delle narrazioni. Facendo ancora riferimento al sistema legale statunitense, ad esempio, viene ignorato il fatto che la grande maggioranza delle cause, sia civili che penali, viene risolta in sede extra-giudiziale, dunque senza ricorrere ad un processo in un'aula di tribunale (Nota 11), che ci sono di fatto più cause civili che penali, e che, in realtà, il ricorso al giudizio di una giuria popolare è in un certo senso l'ultima risorsa, ben più rara di quanto viene mostrato al cinema.

Oltre a tutto, i dibattimenti in un processo vengono spesso descritti senza rispettare le regole effettive che in realtà vigono in questi ambienti. La stessa cosa vale per la rappresentazione dei personaggi-chiave coinvolti in un processo: gli avvocati, ad esempio, vengono spesso descritti in termini irrealistici ma narrativamente più interessanti, come persone zelanti che fanno di tutto per difendere la causa dei loro clienti, o come persone attanagliate dal dilemma morale di difendere un imputato che sanno essere colpevole; così come i procuratori possono essere ritratti come persone che ricorrono a mezzi moralmente discutibili pur di ottenere una vittoria - dimenticando in tutti questi casi che accusa e difesa lavorano (o almeno, dovrebbero lavorare) in modo neutrale per assicurare che l'imputato riceva un giusto processo a prescindere dal reato di cui viene accusaro. E lo stesso vale per i giudici e le giurie, descritti come entità soggette a vari condizionamenti ed intenzioni che possono inficiare il ruolo che la legge assegna loro nei procedimenti.

Di fatto, come abbiamo già notato, i film giudiziari tendono ad enfatizzare le nuove rivelazioni che si manifestano nei contro-interrogatori e, in particolare, le sorprese finali, in cui magari un testimone fornisce informazioni tali da sovvertire la narrazione fino a qual momento sviluppata nel corso del dibattito - tutte convenzioni che assicurano la "tenuta spettacolare" del film attraverso una tensione drammatica che si rinnova più volte nel corso della storia.

"Courtroom films survive only because they can depart from everyday legal reality. They do not portray the normal treatment of cases but the exceptional cases, and in these portrayals the law is often insufficiently (if not distortedly) described and the situation is resolved thanks only to an unusual person employing extra-legal methods." (Nota 12)

8. I protagonisti nell'aula del tribunale

8.1. Gli avvocati della difesa

L'avvocato difensore ha sempre occupato un posto di primo piano tra i personaggi dei film giudiziari-processuali, innanzitutto per la sua posizione, ancor più dell'avvocato dell'accusa, di punto d'incontro tra l'imputato e la giustizia, dunque tra lo squilibrio provocato dal reato commesso e il raggiungimento di un nuovo equilibrio con una sentenza finale che soddisfi le esigenze di giustizia della società. Ma, al di là del ruolo "ufficiale" di cui è investito, l'avvocato difensore risulta spesso al centro di questi film per molti altri motivi, sia attinenti la sua professione, sia riguardanti la sua vita privata. Uno di questi è l'eventuale discrepanza tra l'etica della professione e gli aspetti "economici", che costituiscono un lato, spesso redditizio, della sua carriera. Ma le figure degli avvocati sono spesso anche ritratti di persone incerte tra le regole della legge e i mezzi che è possibile, all'interno di un processo, utilizzare per i propri fini - mezzi che possono situarsi su una linea di confine dubbia, stretta e pericolosa, tra la necessità di difendere la legge come istituzione e l'urgenza di dover anche andare "al di là della legge" per raggiungere il risultato della giustizia. Ma questi ritratti includono anche storie di personalità complesse, a volte turbolente o in crisi di identità, esse stesse vittime delle proprie debolezze. D'altro canto, invece, in molti film, specialmente quelli della Hollywood "classica", gli avvocati sono dipinti come persone dedicate al proprio lavoro, se non addirittura personagg eroici e perfino mitici nella loro lotta costante, non solo per salvare dei (presunti) innocenti, ma anche, e forse soprattutto, per assicurare un giusto processo ed il "trionfo della giustizia".

L'esigenza di stare dalla parte del cliente/imputato, a prescindere dalla posizione (spesso politicizzata se non addirittura prevenuta) dell'accusa, e a prescindere anche dal giudizio di innocenza o colpevolezza, che spetta al giudice e/o alla giuria, costituiscono altrettante fonti di tensione drammatica. Questo ruolo può a volte configurarsi come una vera e propria battaglia, da parte di un avvocato idealista e quasi "carismatico" per evitare al proprio cliente un'ingiusta sentenza. Ne è un celebre esempio uno dei capolavori di John Ford, Alba di gloria, che mette in scena la prima parte della vita di quello che diventerà uno dei più famosi presidenti americani, Abe Lincoln (interpretato magnificamente da Henry Fonda). Di fatto il film si propone proprio di sottolineare alcuni tratti essenziali del giovane Lincoln (tra cui l'eloquenza come avvocato e la sua capacità di ascoltare e farsi ascoltare anche dai più umili), in un certo modo anticipando e spiegando il futuro luminoso che lo attende. Nel film, Lincoln si trova a difendere due giovani accusati di omicidio: prima riuscirà ad evitarne il linciaggio (si vedano i video qui sotto al minuto 31:54), parlando appassionatamente ad una folla inferocita e vendicativa; poi, nel corso del processo (dal minuto 55:05 nella versione italiana, 57:27 nella versione inglese), ne dimostrerà l'innocenza.

Alba di gloria/Young Mr. Lincoln (John Ford, USA 1939)

In altri casi è l'avvocato stesso ad essere chiamato a rimettere in discussione le propri posizioni, come abbiamo visto nel caso dell'avvocato di colore in Philadelphia, che evolve da uno scetticiemo e pregiudizio iniziale verso una figura di idealista e progressista. Nella stessa scia, in Il verdetto, un avvocato di successo ora messosi a bere, Frank (Paul Newman) ritroverà la sua dignità proprio tornando quasi controvoglia al lavoro per difendere una donna finita in coma dopo un'anestesia. Dovrà combattere contro un suo collega, che, deciso a difendere la categoria dei medici e, ancora di più, il prestigio dell'ospedale cattolico dove si è verificato il fatto, non esita ad intimidire i testimoni e a fare pressioni su un giudice pusillanime. L'immagine dell'avvocato è qui ben lontana dai fasti di Alba di gloria, ed il film si concentra, più che sulle dinamiche tipiche dell'aula di tribunale, sulla figura di un uomo caduto quasi in disgrazia, ma che, una volta tornato nel suo elemento professionale, si riscatta con un'arringa finale in cui difende con convinzione i diritti civili dalle minacce di un mondo corrotto sia dentro che fuori dall'aula della legge.

 Il verdetto/The verdict (Sidney Lumet, USA 1982) - L'arringa finale   

E si può anche arrivare al caso-limite in cui la fiducia quasi incondizionata dell'avvocato nei confronti del suo cliente si rivela una trappola, che lascia l'avvocato solo di fronte alla legge che ha contribuito a non far rispettare. In Schegge di paura, un brillante avvocato sicuro di sè e senza troppi scrupoli (Richard Gere) accetta di difendere un ragazzo (Edward Norton) accusato di aver ucciso l'arcivescovo di Chicago. Convinto della sua innocenza, combatte con impegno in aula, anche contro l'accusa, incarnata da un donna magistrato (Laura Linney), sua ex collega ed ex amante. Riuscirà a far assolvere l'accusato, ma, nella scena finale (Attenzione: spoiler) avrà un'amara sorpresa: quello che si era presentato come un uomo di legge e di successo è così costretto a rivedere tutti i suoi principi. Il film prosegue così nel dipingere ritratti di avvocati problematici, ambiziosi ma anche pronti ai compromessi, sicuri di sè ma tutto sommato suscettibili di rimanere vittime ingenue di dinamiche che sembrano soltanto in superficie capaci di controllare.

In molti film degli ultimi decenni, dunque, la figura dell'avvocato viene messa in crisi: al posto dell'immagine "classica", che spesso faceva dell'avvocato difensore una figura persino idealizzata nella sua appassionata difesa della giustizia e della legge, si sostituisce un'immagine molto più ambigua, di cui vengono messe in evidenza crisi e debolezze. Ambiziosi ma a volte incompetenti, eticamente incerti se non del tutto scorretti, forti di un loro dubbio carisma più che della loro preparazione e competenza professionale, scaltri e/o fortunati nelle loro vittorie: ma queste ambiguità in realtà riguardano spesso l'intero sistema legale di cui fanno parte, che ha perso l'aura della dignità e della legalità senza compromessi per far posto ad un mondo ambiguo, incerto delle sue stesse basi, e soggetto quindi ai rischi e ai pericoli dell'ingiustizia del diritto.

Sempre tratto da un romanzo di Grisham, anche L'uomo della pioggia mette in scena un giovane avvocato, Rudy (Matt Damon), fresco di laurea, che, facendo la sua gavetta professionale, è presto costretto a rendersi conto della dura realtà, in cui i suoi colleghi avvocati si ritrovano quotidianamente a cedere a compromessi e ricorrere a mezzi ambigui se non del tutto illegali per tutelare i loro clienti e riuscire sia a guadagnare che a fare carriera. Di nuovo esplode il conflitto tra gli studi legali e l'individuo, che è costretto a scelte difficili ma alla fine riafferma, anche a costo di correre rischi e mettere a repentaglio la sua carriera, la sua dignità professionale e la sua dedizione alla legalità. Rudy accetterà dunque di difendere una donna che ha ucciso il marito violento, e, soprattutto, tutelerà i diritti di un ragazzo malato di leucemia contro il cinismo di una potente assicurazione. Il film è una denuncia potente e chiara di un sistema corrotto che coinvolge, sotto la superficie della legalità formale, singoli individui, ma ancor più organizzazioni e istituzioni, e della difesa delle giuste cause contro i ricatti dettati dal profitto. Nel video qui sotto, Rudy riepiloga brevemente la sua decisione di diventare avvocato e la sua ammirazione per gli avvocati degli anni '50 e '60 decisi a difendere i diritti civili.

L'uomo della pioggia -The rainmaker/John Grisham's The rainmaker (Francis Ford Coppola, USA 1997)

Mentre gli avvocati della difesa sono, nella maggioranza dei casi, raffigurati come persone positive, dedite sia a fare gli interessi dei loro clienti che ad assicurare un giusto processo e dunque la definizione della verità come condizione di una "giusta" legalità, gli avvocati dell'accusa sono il più delle volte visti come coloro che, in rappresentanza della legge, sono dediti ad accumulare quante più prove possibili contro l'accusato - escludendo però, come si è detto a proposito del sistema legale americano, tutte quelle testimonianze eventualmente a suo favore. La postura di questi avvocati è, sin dall'inizio dei processi, quando cioè il giudice li invita a presentare la loro arringa iniziale, decisamente assertiva se non aggressiva, nell'intento di coinvolgere immediatamente la giuria perchè si posizioni dalla loro parte: è ovvio che più o meno la stesa cosa valga per gli avvocaati della difesa, ma l'accusa si presenta subito spesso come decisamente schierata, senza se e senza ma, contro l'accusato. Ma c'è un fatto che condiziona pesantemente la figura dell'avvocato accusatore: nel sistema legale americano, la carica di procuratore distrettuale (district attorney) è elettiva, e molti film giudiziari-processuali mostrano questi avvocati coinvolti nella campagna elettorale per la loro nomina a procuratore. Poichè l'opinione pubblica è molto sensibile a quella che viene percepita come l'affermazione della legalità (con la punizione dei colpevoli di reati), questi avvocati devono tener conto di questo fattore nel loro comportamento in tribunale: a volte la condanna del presunto colpevole diventa un motivo per rafforzare l'immagine di se stessi come tutori della legalità, e meritevoli dunque di un voto popolare. Questa situazione aggiunge intensità drammatica all'incontro/scontro con la difesa, e accentua il ruolo e l'impegno della controparte, che non è soggetta a questi condizionamenti politici.

Uno dei più recenti film di Clint Eastwood, Giurato No. 2, illustra in modo esemplare questa situazione, oltre a fornire un esempio molto chiaro dei procedimenti e delle dinamiche che hanno luogo in un'aula di tribunale. Un uomo è accusato di aver ucciso la propria partner dopo un violento litigio, e l'avvocato dell'accusa, Faith (Toni Collette) è determinata a farlo condannare sulla base di poche prove (verremo anche a sapere che le indagini sono state piuttosto superficiali). Ma l'interesse della storia si infiamma quando, attraverso alcuni brevi flashback, ci viene mostrato come uno dei membri della giuria popolare (appunto il No. 2), Justin (Nicholas Hoult), con un passato da alcolista, abbia di fatto investito la donna e si sia dato alla fuga. Da questo momento il dramma si dipana in due storie parallele: da un lato, Justin sta per diventare padre e, in prospettiva di questo importante evento, è restio a divulgare la sua colpa auto-accusandosi, ma, d'altro canto, è consapevole che potrebbe essere condannato un innocente al suo posto. Cerca dunque, durante la discussione della giuria, di insinuare il dubbio che l'accusato sia innocente, in modo da portare i suoi compagni giurati, all'inizio decisi per una condanna, almeno ad un ragionevole dubbio (che è la formula con cui la giuria potrebbe emettere un giudizio di "non colpevolezza"). Dall'altra parte, però, il film mette a fuoco anche il personaggio dell'avvocato dell'accusa, che vediamo impegnata attivamente nella campagna elettorale per vincere la posizione di procuratore distrettuale. E in effetti l'accusato viene condannato a 30 anni di carcere, e Faith viene eletta procuratore. Tuttavia, anche se all'inizio assolutamente certa del suo caso, Faith man mano viene assalita da dubbi, che la portano proprio a spostare la sua attenzione su Justin, il quale sembra ora cercare di cancellare il passato per pensare solo alla sua famiglia ... Ma l'ultima scena ci mostra Justin che apre la porta di casa e si trova davanti proprio Faith. I loro sguardi si intrecciano - e su questa immagine finisce il film. Dunque in questo caso i conflitti si sviluppano in gran parte fuori dall'aula, e mettono in scena i forti dubbi morali che coinvolgono, oltre al giurato No. 2, l'avvocato dell'accusa, in questo caso una figura più sfaccettata rispetto alle immagini piuttosto stereotipate offerte da molti film giudiziari.

Giurato numero 2/ Juror #2 (Clint Eastwood 2024)

8.3. I detective privati

Gli investigatori, o detectives, sono figure che compaiono spesso nei film giudiziari-processuali, soprattutto per il fatto, già citato, che nel sistema americano sia l'accusa che la difesa devono raccogliere quante più prove possibili da presentare in aula, in un contraddittorio molto acceso e a volte violento. Questo spinge i film ad "evadere" dall'aula per spingersi fuori, nella società di cui pure il sistema legale è parte, aggiungendo motivi di interesse e suspense per la progressiva scoperta di nuovi indizi - e "ibridando", per coì dire, il film processuale con aspetti ed elementi che appartengono più in generale ai film polizieschi o ai film thriller. Questi investigatori possono essere al servizio dell'accusa, come nel caso dei detective della polizia, o collaborare invece con la difesa: il risultato è che a volte i ruoli di queste varie figure si sovrappongono (più spesso nel caso dell'avvocato della difesa, per il quale il detective privato è spesso un amico oltre che un collega), arricchendo così le dinamiche processuali con la collaborazione necessaria per raccogliere prove e testimonianze. Lo stretto rapporto tra avvocato e detective è stato illustrato con forza nei telefilm degli anni '50-'60, in primo luogo nelle serie di Perry Mason, l'avvocato il cui lavoro dipende strettamente dalla sua collaborazione continua con l'amico investigatore privato Paul Drake (ma anche i ruoli della segretaria Della Street e del procuratore distrettuale, praticamente sempre perdente, non sono da sottovalutare). L'investigatore privato occupa una posizione particolare, stretto tra la tutela del cittadino garantita dalla legge (ma che a volte la legge fatica ad assicurare) e l'interfaccia con gli interessi politici ed economici che comunque condizionano la pratica legale. E non di rado, messo alla prova nel duro contesto sociale, il detective gioca un ruolo cruciale come individuo che, da una parte difende gli interessi della giustizia, ma dall'altra deve fare i conti con il conflitto permanente tra "bene" e "male", dove il "male", una volta riconosciuto, deve essere affrontato, se necessario, anche con la forza.

Le figure più emblematiche degli investigatori privati sono comunque quelle che li vedono protagonisti, in film che spesso non appartengono in modo esplicito al genere giudiziario-processuale ma sconfinano in altri generi, in particolare nel noir e neo-noir, come in Chinatown, dove il detective J.J.Gittes (Jack Nicholson), assoldato da una donna (Faye Dunaway) per raccogliere prove dell'infedeltà del marito, si trova in realtà coinvolto in trame ben più complesse di un semplice problema coniugale, finendo per diventare lui stesso vittima di complotti e speculazioni di alto livello.

Chinatown (Roman Polanski, USA 1974)

8.4. La giuria

"Sympathy and animosity are reflected in the faces and body language of movie jurors. Even a juror who remains motionless and with a poker face provokes the viewer to take one side or the other. The facial expressions and gestures of the jurors serve to comment on events in the courtroom and therefore create a meta-level parallel to the actual level of what is going on." (Nota 14) 

La giuria è presente nella maggior parte dei film giudiziari-processuali, anche se, come abbiamo già notato, nella realtà i casi penali che giungono a processo sono una minoranza, e non sempre è prevista la presenza di una giuria. Ma in questo genere di film la giuria rappresenta un elemento cruciale nelle dinamiche processuali, pur restando, in genere, un soggetto "passivo" rispetto a quanto accade nell'aula, bersaglio costante delle osservazioni e delle arringhe sia dell'accusa che della difesa. E non dimentichiamo che gli spettatori sono di fatto spesso condotti ad identificarsi con i membri della giuria, chiamati in tal modo a fungere essi stessi da decisori nei confronti di tutto quello che è stato detto nel corso del procedimento.

Sono pochi, invece, i film che ci introducono nella "camera di consiglio" dove i giurati si riuniscono, letteralmente segregati dal mondo esterno, per decidere il verdetto (colpevole o non colpevole): La parola ai giurati, che abbiamo citato all'inizio di questo lavoro, è a tutt'oggi probabilmente uno dei pochissimi film che si svolgono quasi esclusivamente nella camera di consiglio, mettendoci di fronte alle complesse dinamiche personali e sociali che accendono il dibattito in seno a questo gruppo di persone. Ed in effetti i rapporti che si sviluppano tra i giurati, in particolare quando, come nel caso appena citato, tutti tranne uno sono sin dall'inizio del tutto convinti della colpevolezza dell'imputato, e l'unico giurato favorevole all'innocenza cerca di convincere gli altri della bontà della sua scelta, possono benissimo costituire il fulcro dell'azione drammatica e coinvolgere in tal modo gli spettatori. Una situazione simile si ritrova in We the jury, in cui una celebrità televisiva conduttrice di un talk show è accusata di aver ucciso il marito infedele. Il conflitto in cui si trova coinvolta la giuria (si veda al minuto 25:45 del video qui sotto) non è se l'accusata è colpevole (questo è infatti stato ammesso dalla donna), ma che livello di colpevolezza attribuirle: omicidio premeditato (Murder One), omicidio non premeditato (Murder 2) o omicidio involontario (omicidio colposo). La questione è fonte di dissidi tra i membri della giuria, sia perchè l'imputata ha dichiarato di aver subito violenze psicologiche durante il matrimonio, sia per lo status pubblico della donna. La difesa aveva tentato di far includere quante più donne possibile, e nonostante alla fine il gruppo comprenda sette donne e cinque uomini, si gioca molto, in un contesto come questo, su problematiche di genere.

We the jury (Sturla Gunnarsson, USA 1996) - Film completo

La giuria, in quanto agente piuttosto passivo (almeno nell'aula del tribunale, dove è raro vedere qualche giurato che si azzarda a porre domande al giudice), è per forza di cose soggetta ai condizionamenti dell'accusa e della difesa, e non potrebbe essere altrimenti. Tutto dipende dalle personalità degli avvocati, che, con la loro sottile arte retorica, e soprattutto nelle arringhe finali, possono avere buon gioco nell'influire sui giurati (o addirittura nel manipolarli). Un esempio ci è fornito da Il momento di uccidere, tratto dal primo romanzo di John Grisham, in cui un operaio di colore, Carl Lee (Samuel L. Jackson), convinto che una giuria razzista non riuscirà a vendicare lo stupro subito da sua figlia, uccide i due bianchi responsabili del crimine. Si trova dunque ad essere processato per omicidio, in un contesto fortemente segnato dalle tensioni razziali, e con il Ku Klux Kan in piena attività. Ed in effetti in aula si trova a che fare con un cinico procuratore senza scrupoli (Kevin Spacey), da una parte, ma anche con un avvocato della difesa di idee liberali (Matthew McConaughey). Quest'ultimo si rende conto di non aver sostenuto efficacemente la difesa di Carl Lee, ma, puntando sulle ragioni del cuore più che su quelle della ragione, decide di raccontare come una fiaba ai giurati, durante l’arringa finale (si veda il video qui sotto), ciò che è successo alla ragazza, stuprata, seviziata e brutalizzata, e infine buttata da un ponte, dicendo loro di chiudere gli occhi durante il suo racconto e di pensare se si fosse trattato di una ragazza bianca. Il racconto finale spezza il cuore a tutti i presenti (compreso il giudice, ma, un po' inaspettatamente, anche il procuratore distrettuale), ed il processo si conclude con l'assoluzione di Carl Lee. Il film gioca di fatto sull'emotività in aula, specialmente riguardo alla giuria, e in modo piuttosto manipolatorio risolve il dibattimento facendo leva sull'opposizione tra tensioni razziali e comprensione del fattore umano - in cui l'evidenza delle prove viene giudicata meno importante di una visione più allargata della giustizia.

Il momento di uccidere/A time to kill (Joel Schumaker, USA 1996)

La giuria rappresenta però molto di più di un gruppo di persone chiamate a decidere le sorti dell'imputato: la sola loro presenza costituisce la prova che la giustizia viene esercitata "in nome del popolo", dunque un legame esplicito tra le istituzioni legali formali e la sovranità popolare - col compito, non solo di assicurare la regolarità dei procedimenti, anche contro eventuali abusi da parte della pubblica accusa, ma anche di testimoniare che la giustizia si regge sulla cittadinanza attiva (che implica responsabilità), sul rispetto per le istituzioni, sull'uguaglianza di tutti i cittadini di fronte alla legge, e sul dovere che tutti hanno verso la società e la condivisione della gestione del diritto. La giuria  ha dunque un forte significato simbolico oltre che un ruolo chiave nei processi.

Nel corso del tempo l'immagine della giuria nei film giudiziari è parzialmente cambiata, in particolare rispetto alla sua composizione. Mentre per lungo tempo essa era costituita (quasi) esclusivamente da maschi bianchi, col tempo si è visto progressivamente comparire donne, persone di colore e immigrati, rispecchiando così l'evoluzione della società e delle sue ideologie.

8.5. Il giudice

Il giudice occupa, dal punto di vista fisico/logistico una posizione dominante nell'aula del tribunale, siede di solito su un piedistallo al di sopra di tutte le altre parti, e simboleggia dunque la massima espressione dell'autorità e della pubblica legalità. Ma dal punto di vista pratico/procedurale, il suo ruolo è in realtà assai più modesto. Nel sistema legale americano, il giudice è presente, innanzitutto, per assicurare il corretto rispetto delle procedure: ricordiamo i suoi interventi quando deve decidere se accettare o rifiutare un'eccezione ("Obiezione, Vostro Onore!") sollevata dall'accusa o dalla difesa, che viene da lui/lei "accolta" o "respinta". E naturalmente il suo ruolo è massimizzato quando emette una sentenza, particolarmente di condanna. Ma altrimenti questa posizione tutto sommato "debole", quasi "invisibile", lascia ampio spazio agli interventi dell'accusa e della difesa, contribuendo così a rafforzare l'atmosfera di conflitto e di tensione che rende un processo un evento così carico di dramma. Ricordiamo inoltre che, al pari del procuratore, negli U.S.A. anche la carica di giudice è elettiva, il che espone ovviamente la figura a possibili condizionamenti politici. Inoltre, come abbiamo già notato, esiste una differenza sostanziale tra le cause civili, dove spesso il giudice svolge un ruolo più attivo, entrando direttamente con i suoi interventi nel merito delle questioni, e le cause penali, dove la presenza di una giuria rende la figura del giudice decisamente più passiva.

Uno dei rari casi in cui vediamo un giudice intervenire direttamente, prendendosi lo spazio e il tempo che ritiene opportuno, ci è offerto da A civil action. Il film racconta la lotta di alcuni abitanti di una località e di un piccolo studio legale che li assiste contro i giganti industriali responsabili dell'inquinamento da sostanze industriali tossiche, che ha provocato diversi casi di leucemia, e contro i potenti e ricchi studi legali che li assistono. Le sorti del processo mutano quando il Giudice Skinner, nonostante le vibrate obiezioni dell'avvocato della difesa, chiede alla Giuria di pronunciarsi su tre questioni di carattere esclusivamente tecnico, al fine di decidere se continuare oppure no il procedimento. Questo inusuale intervento di un giudice sulla materia stessa del contendere provocherà una svolta nel processo, con una rediscussione dei risarcimenti dovuti alle vittime del disastro ambientale.

A civil action (Steven Zaillian, USA 1998)

Più interessanti, pur se non frequenti, sono i ritratti dei giudici che, posti di fronte a situazioni difficili e a decisioni cruciali per il processo, sono presi da dubbi ed esitazioni, manifestando il loro turbamento come esseri umani oltre che come rappresentanti della legge - ed in questi casi proprio i turbamenti del giudice costituiscono motivo di interesse e di coinvolgimento drammatico per il pubblico. Un esempio illuminante è Vincitori e vinti, che ricostruisce uno dei più importanti processi ai criminali nazisti, quello tenuto a Norimberga nel 1948 contro alcuni giudici del Terzo Reich, compreso il Ministro della Giustizia Janning (Burt Lancaster), che, pur essendo un integerrimo uomo di legge, aveva ceduto alle pressioni del potere politico, compromettendosi così con il regime. Le tre ore di durata del film sono un appassionante ritratto delle vittime dei criminali nazisti, ma la figura su cui ci preme soffermarci è proprio quella del giudice Haywood, un anziano americano (Spencer Tracy), che affronta il pesante incarico affidatogli con un grande senso di umanità, e, allo stesso tempo, con la dolorosa consapevolezza che la partita in gioco è, eticamente prima che politicamente, delicatissima e tragica al contempo. Nei momenti di libertà, al di fuori dell'attività giudiziaria, Haywood cerca in ogni modo di capire la realtà del paese e la mentalità dei suoi abitanti. Alla lettura della sentenza, votata da due giudici su tre, il presidente Haywood dichiara che la vera parte lesa del processo è la civiltà; afferma che il collegio giudicante si è basato su tre valori: giustizia, verità e valore di ogni essere umano; si rifiuta di riconoscere ai quattro imputati qualsiasi attenuante, poiché essi sapevano ciò che facevano, e condanna ciascuno all'ergastolo (Nota 17).

Vincitori e vinti/Judgement at Nuremberg (Stanley Kramer, USA 1961) - Discorso finale del Giudice Haywood

Un altro tra i non frequenti esempi di intervento diretto del giudice ci è offerto da Hurricane - Il grido dell'innocenza, che racconta la storia vera del campione dei pesi medi Rubin "Hurricane" Carter (Denzel Washington), uomo di colore, condannato all'ergastolo per omicidio nonostante la natura discutibile delle prove e delle testimonianze (Bob Dylan gli dedicò una canzone, anche sull'onda dei chiari moventi razzisti). Dopo aver subito tre processi, viene alla fine assolto. Nel suo discorso finale, che annuncia l'assoluzione di Rubin, il giudice riconosce che "non è stato facile giungere ad una conclusione, ma che i documenti presentati hanno dimostrato il pregiudizio razziale, la coercizione di testimonianze e l'occultamento di prove. Questo ha comportato un riferimento al razzismo piuttosto che alla ragione e all'occultamento piuttosto che alla rivelazione. Condannare sulla base del pregiudizio razziale costituisce una violazione della Costituzione tanto atroce quanto i crimini per i quali gli imputati sono stati giudicati e condannati". Come in Vincitori e vinti, anche in questo caso il giudice si fa portavoce di istanze etico-morali di più alto livello, al di là dei pur importanti aspetti legali-giudiziari che, per la stessa legge, è chiamato a far rispettare.

Hurricane - Il grido dell'innocenza/The Hurricane (Norman Jewison, USA 1999)

9. La posta in gioco: Una varietà di tematiche

9.1. Introduzione

I film giudiziari-processuali, in quanto "genere cinematografico", si propongono di offrire al pubblico un'esperienza di visione gratificante, a più livelli: cercano di stimolare l'interesse, di far sperimentare emozioni, di indurre alla riflessione, utilizzando tutti quegli elementi che il cinema è in grado di mobilitare, e ricorrendo così al dramma e alla suspense, e, in misura minore, alla commedia o al romanticismo, alla pari di tutti gli altri generi. Questi film sono in realtà il regno della parola: i dibattimenti, gli scontri verbali tra accusa e difesa, le arringhe costituiscono spesso l'elemento di maggior impatto, quello che tiene alta la tensione e assicura l'impatto drammatico nei confronti degli spettatori, sostituendo, almeno in parte, le scene di azione più tipiche di altri generi come, ad esempio, i film thriller, i film fantasy o di guerra - anche se molti film giudiziari non si svolgono esclusivamente nall'aula di un tribunale e possono integrare scene di altro tipo per arricchire la storia narrata e fornire i necessari riferimenti per comprendere appieno ciò che viene discusso nell'aula.

Ma questo genere di film, come abbiamo già rilevato, lavora su due binari paralleli e strettamente integrati: da una parte, la narrazione del procedimento giudiziario, ma, dall'altra parte, lo sviluppo di una particolare tematica che assume valenza legale e che è, in fondo, il motivo del contendere, o la "posta in gioco": abbiamo già visto che in realtà questi film, attraverso la presentazione e la discussione di casi specifici, anelano ad esporre e dibattere tematiche più generali, dal razzismo all'omosessualità, dalla pena di morte alla lotta politica, dall'eutanasia alle questioni ecologiche. In questo senso, come dice la citazione qui sopra, la maggior parte dei film giudiziari tratta di "qualcos'altro", di tematiche che trovano nell'aula di tribunale un'espressione molto vivida, al contempo spettacolare ed emozionante. Nel "mettere in scena" tali tematiche, questi film giungono spesso a svelare e rendere più esplicite le ideologie sottostanti, cioè le convinzioni, i valori, gli atteggiamenti che agitano in continuazione, anche se a volte in modi più impliciti e nascosti, le nostre società.

"The power of movies - whether fiction or fact - to convey great themes through the use of evocative and easily understood visual imagery, to display great depths of emotion, and to leave lasting impressions in even the most tightly-closed mind, should be exploited." (Nota 19)

9.2. Legge vs giustizia

La saldatura tra azione processuale e tematiche più universali si realizza. come abbiamo visto, particolarmente nei casi in cui la posta in gioco riguarda proprio la giustizia e i modi e i mezzi con cui questa viene realizzata attaverso la pratica del sistema di leggi: in molti film, è il rapporto problematico tra giustizia e legge a costituire la tematica messa a fuoco, con dilemmi morali inquietanti (ma che proprio per questo si prestano molto bene ad un trattamento drammatico da parte di un film), come: La giustizia è veramente uguale per tutti? A quali condizionamenti possono soggiacere le varie parti coinvolte? Qual è il peso delle prove e delle testimonianze, tra "oggettività" e "soggettività"? La giustizia formalmente realizzata in un'aula di tribunale attraverso una condanna o un'assoluzione corrisponde alla verità tout court, o la verità è in fondo inafferrabile? E' possibile e accettabile valicare i limiti imposti dalle leggi al fine di assicurare un esito giusto in un processo? Come si può usare la legge per rettificare l'ingiustizia (o la giustizia per superare l'iniquità della legge)? E, in definitiva, può essere giusto infrangere la legge, e quanto pesa l'idea che una legge possa essere ritenuta "buona" o "cattiva"?

Come si vede, questi dilemmi morali, così cruciali anche dal solo punto di vista teorico o strettamente legale, assumono ben altro spessore e concretezza quando vengono applicati ai casi concreti, a singoli individui che, avendo a che fare con la giustizia per una varietà di motivi, esprimono comunque, in fondo, tutta la vulnerabilità degli esseri umani e dei loro comportamenti.

In questo senso, un forte atto di accusa contro le istituzioni legali è rappresentato in Let him have it, storia di un ragazzo epilettico e mentalmente instabile, Derek, che, insieme all'amico Chris, partecipa ad un furto con scasso. Scoperto dalla polizia, viene subito fermato, mentre Chris, ancora con la pistola in pugno, resiste agli agenti. Derek, convinto che la loro resa sia ormai inevitabile, urla a Chris, "Let him have it!". frase dal significato alquanto ambiguo: potrebbe esssre un invito a Chris di consegnare l'arma alla polizia ("Lasciagliela!) , ma anche, in senso figurato, "Fagliela pagare!". Comunque Chris spara, uccidendo un poliziotto e ferendone un altro. Arrestati, al processo si rivela cruciale il senso delle parole pronunciate da Darek, che viene accomunato a Chris nel giudizio di colpevolezza. Ma mentre Chris, minorenne, viene recluso a tempo indeterminato, per Derek, appena diciannovenne, viene comminata la sentenza capitale. Toccante e feroce la scena della condanna in tribunale (si veda il video qui sotto), dove il rito formale assume toni da tragedia: sul capo del giudice infatti, viene posto un fazzoletto nero, simbolo che sta per pronunciare una condanna a morte. Così il film denuncia tutta la rigidità e la violenza della legge, che, da una parte, finisce per dibattere il destino degli imputati sulla base delle ambigue interpretazioni di una frase da loro pronunciata, e dall'altra, con il rigido ossequio a norme disumane, determina il destino di due giovani sulla base di una piccola differenza di età.

Let him have it (Peter Medak, GB 1991)

Alcuni film hanno posto la questione della verità processuale al centro della loro drammaturgia, ricorrendo anche a sorprese dell'ultimo minuto per rovesciare il corso del procedimento. Nel già citato Il caso Paradine. ad esempio, una bellissima donna, Anna Maddalena (Alida Valli) è accusata di aver avvelenato il ricco marito, un anziano colonnello. La difesa, incarnata dall'avvocato Keane (Gregory Peck), che da subito subisce il fascino della donna, punta sulla tesi del suicidio: il giovane e devoto cameriere André (Louis Jourdan) avrebbe aiutato il colonnello a mettere in pratica il suo intento. Ma in aula Anna contesta questa tesi, sostenendo che il marito abbia fatto tutto da solo. Quando infine giunge la notizia che André si è suicidato, Anna crolla, confessa il suo adulterio con André e l'avvelenamento del marito, incolpando Keane di aver spinto André al suicidio. Il dramma coinvolge dunque non solo l'imputata e le sue diverse versioni dei fatti, ma anche lo stesso avvocato, che, infatuato dalla donna, viene indotto a scelte che compromettono il suo stesso ruolo e ne minano l'autostima.

Il caso Paradine/The Paradine case (Alfred Hitchcock, USA 1947) - Film intero

Un simile rovesciamento del procedimento è all'opera anche in Testimone d'accusa, in cui un famoso avvocato (Charles Laughton) accetta di difendere un uomo (Tyrone Power) accusato di omicidio, nonostante la moglie (Marlene Dietrich) si rifiuti di confermare l'alibi del marito. Giocando sull'ambiguità della donna, l'avvocato riesce a dimostrare che ha dichiarato il falso, il che porta all'assoluzione del marito. Ma ... non appena emessa la sentenza (si veda il video qui sotto), la donna scopre le sue carte, confermando invece proprio la colpevolezza del marito. E quando quest'ultimo, subito dopo, rivela di avere un'amante con cui desidera partire, la moglie lo uccide proprio con il coltello che era stato identificato come l'arma del delitto ... E l'avvocato deciderà a questo punto di difendere la donna ... In quest'aula di tribunale hanno luogo intrighi e macchinazioni continue: il famoso, brillante avvocato si fa manipolare in modo plateale dalla donna, non riesce a scoprire la menzogna, che, una volta disvelata, non ristabilisce la verità assoluta ma apre squarci inquietanti sull'occultamento dei fatti. Un altro esempio che verità e menzogna, vero e falso, giusto e sbagliato, sono termini a volte molto relativi in tribunale, che non sempre risulta essere il luogo deputato a realizzare la giustizia attraverso la legge.

Testimone d'accusa/Witness for the prosecution (Billy Wilder, USA 1957) - Finale

La tensione tra giustizia "ufficiale", retta dalla legge, e giustizia "privata", cui a volte sembra ricorrere la società per la debolezza o l'inadeguatezza della prima, è un altro dei temi in cui viene messo in discussione l'intero sistema legale. Due film in particolare hanno messo in scena situazioni al limite del paradosso per sottolineare l'ambiguità della legge e la sua incapacità di reggere il peso di realizzare la giustizia. In L'alibi era perfetto, uno scrittore, per sostenere la sua campagna contro la pena di morte, si autoaccusa di un delitto, fabbricando apposta prove a suo carico, con l'intento poi di farsi discolpare, dimostrando così la facilità con cui è possibile condannare un uomo innocente. Ma l'uomo che doveva scagionarlo, e che possiede tutte le prove del casao, rimane ucciso in un incidente d'auto e le prove vengono distrutte ... Il film diventa quindi un lucido apologo che il regista Fritz Lang, al suo ultimo film americano, tesse con una trama tesissima sulla responsabilità dei singoli individui posti di fronte ad una supposta infallibilità della giustizia.

L'alibi era perfetto/Beyond a reasonable doubt (Fritz Lang, USA 1956)

Il film fu rifatto nel 2009 in Un alibi perfetto, con alcune variazioni: questa volta un reporter (Jessie Metcalfe), per incastrare un procuratore corrotto (Michael Douglas), che ha fatto emettere decine di sentenze capitali, decide di costruire una serie di false prove indiziarie che lo condannerebbero per l'omicidio di una prostituta, con l'intento di smascherare i procedimenti legali che, in modo superficiale se non del tutto in mala fede, possono portare a condanne ingiuste. Ma nulla va come previsto, ed il reporter si ritroverà ad essere condannato a morte ...

Un alibi perfetto/Beyond a reasonable doubt (Peter Hyams, USA 2009)

Giustizia "pubblica" e giustizia "privata" sono al centro di numerosi film giudiziari, dove l'inadeguatezza o l'insufficienza della "legge" porta i cittadini a prendere scorciatoie pericolose, cercando nel "farsi giustizia da sè" un modo per affermare la necessità di punire i colpevoli, sia pure con giudizi sommari e sostanzialmente tramite la violenza della massima "occhio per occhio, dente per dente". Si tratta in verità di una doppia sconfitta, quella del sistema legale e quella dei principi di uguaglianza e di tutela di tutti i cittadini nei confronti della legge. A questa tematica si affiancano spesso altri aspetti "critici" del sistema, come la corruzione della classe politica (che, come abbiamo visto, negli U.S.A. elegge i procuratori, ed è in grado perciò di condizionarli anche pesantemente) e l'inefficienza della magistratura. Un film che coniuga tutti questi temi è Boomerang, l'arma che uccide, uno dei primi film a rivelare al pubblico la personalità registica di Elia Kazan. In questo film, è proprio un procuratore (Dana Andrews) a farsi suggestionare dall'opinione pubblica, che pretende frettolosamente un colpevole per l'omicidio di un sacerdote benvoluto da tutta la cittadina, e che ha commesso l'imperdonabile errore di "agitare le acque della vita comunitaria". Ma, dopo aver arrestato il presunto assassino, il procuratore  si ritrova ben presto a salvare l'uomo da un tentativo di linciaggio popolare, e matura la decisione di dimostrare lui stesso in aula l'innocenza dell'imputato - un modo per riaffermare il principio che, di fronte ai giudizi sommari dell'opinione pubblica e contro la corruzione del sistema, tocca agli uomini onesti battersi per la giustizia e riaffermare con la loro condotta i principi fondamentali della funzione pubblica.

Boomerang, l'arma che uccide/Boomerang (Elia Kazan, USA 1947)

Un percorso inverso è illustrato in Lo sconosciuto: in questo caso un presunto omicida viene assolto, ma proprio il suo avvocato difensore (Walter Pidgeon) in seguito si ricrede e decide di farlo incriminare di nuovo. Sullo sfondo di una società corrotta, va in scena nuovamente il dramma, personale e professionale, di un avvocato chiamato a destreggiarsi tra le maglie di un sistema in crisi proprio per aver rinunciato alla tradizionale opposizione tra crimine e giustizia.

Lo sconosciuto/The unknown man (Richard Thorpe, USA 1951)

Ancora la "conversione" di un avvocato disilluso (ed ex-hippie) (James Woods) è al centro di Verdetto finale: limitatosi ormai a difendere narcotrafficanti, ha un soprassalto di dignità e ritrova tutta l'energia e la passione di un tempo quando un'anziana coreana gli chiede di difendere il figlio accusato ingiustamente. E di nuovo, di fronte ad un sistema legale ridotto a un business senza scrupoli, ritroviamo la figura di un avvocato che, con una specie di curioso omaggio agli ideali libertari degli anni '60, (ri)trova il coraggio di ergersi a difesa dei più deboli.

Verdetto finale/True believer (Joseph Ruben, USA 1989)

Le dinamiche tra i protagonisti della scena giudiziaria sono spesso al centro dell'azione drammatica nei film giudiziari, a volte mettendo persino in secondo piano la vicenda processuale vera e propria. E' il caso, ad esempio, di ... e giustizia per tutti, dove un giudice famoso per la sua rigidità e severità (John Fosythe) si ritrova ad essere accusato di violenza carnale. Per la sua difesa, si rivolge ad un avvocato idealista (Al Pacino), che aveva in passato condannato per oltraggio alla corte. Dato che non gli è possibile rifiutare l'incarico, l'avvocato cerca almeno di ottenere in cambio dei favori per i suoi clienti innocenti ... ma quando il peso di questa ambigua situazione diventerà insopportabile, esploderà: venuto in possesso di alcune foto che dimostrano la perversione del giudice, nauseato dallo stesso sistema di cui anch'egli fa parte, durante la sua arringa (si veda il video qui sotto) dichiarerà apertamente la colpevolezza del giudice e, allo stesso tempo, il suo odio per il marcio che si annida nella giustizia, venendo poi scortato fuori dall'aula a viva forza ...

 ... e giustizia per tutti/ ... And justice for all (Norman Jewison, USA 1979) - Arringa finale

9.3. Ideologie allo scoperto

La "posta in gioco" di un processo può riguardare una grande varietà di tematiche, che la messa in scena in un'aula di tribunale può contribuire ad evidenziare, permettendo, attraverso il dibattito e il confronto delle posizioni, una resa drammatica più spettacolare rispetto ad altre sedi di discussione. Così hanno trovato voce temi a volte spinosi e "scomodi" ma che hanno potuto essere illustrati con la dinamicità popolare che il cinema ha da sempre offerto - e, sotto questi temi, sono state (ri)scoperte e messe a nudo ideologie verso le quali anche un film può offrire materiali e occasioni di discussione: dal razzismo al sessismo, dall'eutanasia alle tematiche ambientali, dalla propaganda politica alla libertà di espressione ...

9.3.1. I diritti civili

Il tema dell'eutanasia, ad esempio, è stato trattato in diversi film, che hanno spesso messo in luce il contrasto, insanabile, tra il diritto di scegliere i tempi e i modi della propria fine e le rigide esigenze del sistema legale. Questo conflitto è giunto così nelle aule di un tribunale, dove ha potuto essere reso con grande efficacia. You don't know Jack - Il Dottor Morte racconta così le vicende di un patologo, Jack Kevorkian (Al Pacino) che ha dedicato gran parte della sua vita proprio ad alleviare i malati terminali, fornendo loro modi dignitosi di porre fine alla propria esistenza. Diventato una figura emblematica quanto polarizzante, fino ad essere soprannominato dalla stampa col poco lusinghiero nomignolo di "Dottor Morte", Kevorkian aveva già subito quattro processi, che lo videro assolto, finchè nel 1998 venne condannato per "omicidio di secondo grado" (che nel sistema legale statunitense equivale ad un omicidio senza premeditazione) da 10 a 25 anni di reclusione. Ne scontò di fatto circa otto, e venne rilasciato nel 2007.

You don't know Jack - Il Dottor Morte/You don't know Jack ((Barry Levinson, USA 2010)

Di chi è la mia vita? si concentra in modo più specifico sull'esperienza di un giovane scultore, Ken Harrison (Richard Dreyfuss), che dopo un incidente d'auto, si ritrova paralizzato, incapace di condurre una vita normale e, soprattutto impossibilitato ad esprimersi con la sua arte. Deciso a porre fine ad un'esistenza di questo tipo, Ken tenta invano di farsi aiutare dall'ospedale in cui è ricoverato, ma l'amministratore della struttura, che si oppone all'eutanasia, è deciso a tenerlo in vita anche contro la sua volontà. Finirà per assicurarsi il patrocinio di un avvocato, che riuscirà a portare il caso in tribunale, dove Ken ha la possibilità di presentare e difendere il suo caso, trovando un giudice che, dopo varie ricerche legali, affermerà la libertà di Ken di decidere il suo destino.

    Di chi è la mia vita?/Whose life is it anyway? (John Badham, USA 1981) - La lotta di Ken Harrison   

Un "cortocircuito" legale è al centro di Il delitto del giudice, dove è proprio un giudice severo e legato ai suoi ferrei principi, Calvin Cooke (Fredric March) ad affrontare in prima persona questo tipo di tragica esperienza. Quando la moglie si ammala di un male incurabile, Calvin decide di uccidersi insieme alla moglie, ma il destino vuole che lui rimanga in vita. In ossequio ai suoi principi, Calvin si consegna alla giustizia e viene processato - viene assolto dal reato di omicidio, anche se gli viene fatto presente che ciò che ha fatto è sbagliato e lo rende moralmente colpevole. Questa esperienza finisce per cambiare radicalmente l'atteggiamento di Calvin anche nei confronti della sua stessa professione: come espiazione per quanto ha fatto, e se gli sarà consentito di continuare ad esercitare il suo ruolo, d'ora in poi si comporterà di conseguenza, stabilendo che, in modo simile, una persona può essere considerata colpevole dal punto di vista legale ma di fatto innocente dal punto di vista morale.

Il delitto del giudice/An act of murder (Michael Gordon, USA 1948)

9.3.2. La libertà di espressione

Spencer Tracy, che abbiamo già incontrato nei panni di avvocato difensore liberal e appassioato paladino della giustizia, è di nuovo protagonista di ... e l'uomo creò Satana, cronaca di un vero processo che nel 1925, nel Tennessee, vide un professore di biologia accusato di insegnare la teoria evoluzionista di Darwin, contraria alle leggi dello Stato ancora ancorate al creazionismo. Di fatto il processo vede la contrapposizione drammatica ed appassionata dell'accusa, rappresentata da Matthew Brady (Fredric March) e della difesa, incarnata appunto nella figura dell'avvocato Matthew Drummond (Spencer Tracy). Nei diversi interventi durante il dibattimento (si veda il video qui sotto), Drummond si scaglia con veemenza contro l'oscurantismo della legge (e della comunità che la sostiene), che rimane legata a principi obsoleti e conduce dunque, inevitabilmente, verso la negazione della libertà di espressione, che signifca anche tornare indietro nel tempo e sanzionare chi è portatore di idee non consone alla tradizione che la legge intende difendere. Il professore fu giudicato colpevole in questo processo, ma condannato solo ad una multa di 100 dollari, ancora una volta, come abbiamo avuto occasione di notare, "per ragioni politiche", poiché la nazione non sembrava essere dalla parte dell'accusa e le elezioni si stavano avvicinando ... (Il verdetto fu poi ribaltato in appello.) 

... e l'uomo creò Satana/Inherit the wind (Stanley Kramer, USA 1960) - Il discorso del difensore   

Nel solco delle battaglie per la libertà di espressione si inserisce anche la vicenda (vera) di Larry Flynt (Woody Harrelson), storia du un editore che riuscì a fondare un vero e proprio impero tramite la rivista "Hustler", che per la prima volta pubblicò nudi integrali femminili. Costretto su una sedia a rotelle dopo un attentato, e condannato per oscenità, Larry subisce una causa per diffamazione intentatagli da un predicatore televisivo, che aveva attaccato proprio sulla sua rivista. Persa questa causa, Larry si prende comunque una rivincita quando la Corte Suprema accoglie il suo ricorso contro il predicatore. A fronte del suo appello al Primo Emendamento della Costituzione americana, che difende la libertà di espressione, Larry si trova comunque ad affrontare i dubbi che sorgono quando la persona in causa non è del tutto "cristallina" ed è motivata di fatto da questioni di lucro. Nei numerosi processi che lo hanno visto protagonista, Larry ha ottenuto sentenze contrastanti, che però gli anno riconosciuto il suo diritto di esprimersi, accogliendo così il riferimento (per gli USA sacrosanto) al Primo Emendamento.

        Larry Flynt - Oltre lo scandalo/The people vs Larry Flynt (Milos Froman, USA 1996) - Apertura del dibattimento

9.3.3. Questioni ecologico-ambientali

Negli ultimi decenni anche i film giudiziari-processuali si sono occupati di problemi ambientali, seguendo l'interesse crescente per le tematiche ecologiche. Si tratta spesso di processi intentati come class action (*) contro industrie che, con le loro attività e senza rispetto per l'ambiente, hanno danneggiato sia i luoghi che, soprattutto, la salute delle persone. In questi film sono parimenti messi a confronto la tradizione liberal americana, risolutamente a favore dei diritti delle persone, contro gli interessi privati delle aziende, spesso rappresentati in aula da studi legali ambiziosi quanto disposti a tutto pur di vincere la causa (e assicurarsi così lauti compensi).

Conflitto di classe è un film interessante perchè i ruoli principali dell'accusa e della difesa sono coperti da padre e figlia, che si ritrovano così a competere in tribunale. Jedediah Ward (Gene Hackman) e la figlia Maggie (Mary Elizabeth Mastrantonio) sono avvocati in due differenti studi legali a San Francisco. Si trovano entrambi impegnati in un caso riguardante una casa automobilistica statunitense (denunciata da un cliente per aver messo in commercio veicoli difettosi), ma su versanti opposti: la figlia, decisa a far carriera prestandosi anche alle esigenze del capitale, si occupa infatti della difesa dell'azienda, mentre il padre, democratico paladino dei deboli, dell'accusa. Inizialmente ostile al padre ed in vantaggio in aula, Maggie, dopo aver scoperto che alcuni colleghi hanno cercato di occultare le prove che avrebbero danneggiato il loro cliente, deciderà di aiutarlo, fornendogli di nascosto alcune prove; perderà così la causa ma si riappacificherà col padre. Le due anime dell'America si scontrano dunque in aula, dove alla fine il senso di giustizia prevale sugli interessi personali e aziendali.

* La class action (in italiano azione di classe o azione collettiva risarcitoria) è uno strumento legale che permette a un gruppo di persone, che hanno subito lo stesso danno da un unico soggetto (solitamente un'azienda), di agire in giudizio insieme per ottenere il risarcimento.

Conflitto di classe/Class action (Michael Apted, USA 1991)

Cattive acque racconta invece del caso che coinvolse la società di produzione di prodotti chimici DuPont a seguito dello scandalo dell'inquinamento idrico di Parkersburg (nella Virginia Occidentale) con prodotti chimici non regolamentati. Robert Bilott (Mark Ruffalo) è un avvocato specializzatosi nella difesa di aziende chimiche, ed è a lui che si rivolge l'allevatore Wilbur Tennant per indagare su un'insorgenza anormale di tumori e malformazioni nelle sue mucche. Il film segue le lunghe vicende giudiziarie del caso, che vedono alternarsi richieste di risarcimenti ed offerte di compensazione, nuovi dati forniti dall'azienda e test medici sulla popolazione, destinata a subire gli effetti delle sostanze dannose a lungo termine, con il costante pericolo di prescrizione dei reati vista la durata dei processi. Alla fine, l'avvocato deciderà di portare il caso di ogni imputato alla DuPont, uno per volta. Dopo aver vinto i primi tre accordi multimilionari contro la DuPont, la società risolve la class action pagando 670,7 milioni di dollari.